Eliminación de ruido

Como ya sabreis los fabricantes de las cámaras ya han acabado con la guerra de los píxeles. Hoy en día hay otra guerra presente, la eliminación del ruido (junto con la de el aumento del rango dinámico, pero de eso no voy a hablar en este post). En octubre del 2009 Nikon desbancó a Canon en las ventas mundiales por primera vez en la historia y fue porque sacó dos modelos de cámaras que producen muy poco ruido.

Mientras nosotros no tengamos esas cámaras poderosas tendremos que eliminar el ruido por nuestra cuenta. Ya conoceréis el filtro de eliminación de ruido de Photoshop, que la verdad que funciona bastante bien. Pero hoy traigo un método mucho más efectivo, lo único es que se tiene que hacer desde el momento en que sacas las fotos. Me explico.

Si por ejemplo vamos a sacar una foto a un castillo por la noche, en la que vamos a utilizar un ISO alto (por lo que ya sabemos que vamos a tener ruido), en vez de sacar una foto sacamos varias, con idénticas caractéristicas, mismo diafragma, misma velocidad, mismo ISO y mismo encuadre. Luego nos llevamos nuestras “idénticas” fotos al Photoshop. (Pongo “idénticas” porque serán iguales en todo excepto en el ruido, porque el ruido se genera aleatoriamente y nunca es igual en dos fotos iguales). Abrimos las fotos en Imagen – Seleccionar archivos en pila, activanado la opción que tenemos abajo de alinear. Se nos abrirá una imagen con tantas capas como imágenes hayamos metido. Nos vamos a Capa – Convertir en objeto inteligente. Se nos alinearán las fotos en una única capa y sólo veremos la imagen que teníamos en la capa superiosr. Ahora nos vamos a Capa – Objetos inteligentes – Modo de apilamiento – Mediana. Y veremos ya el espectacular resultado. Lo que nos hace este fitro es eliminar lo que no tienen en común las imágenes y conservar lo que tienen en común.

Por eso es imprescindible para este método de reducción de ruido que las imágenes se tomen con trípode y que no haya ningún elemento que varíe en la foto, fotografiar objetos inmóviles.

Recomiendo este filtro porque no te desenfoca la imagen (como hacen normalmente los filtros de eliminación de ruido) te mantiene mejor la calidad de la imagen, además de que los resultados son espectaculares.

¿Niveles o Curvas?

¿Alguna vez os habéis preguntado si son mejores los niveles o las curvas para ajustar la luminosidad?

Pues ya tengo las respuesta. Las curvas :D.

La diferencia más clara es que en los niveles sólo se tienen tres puntos: blanco puro, negro puro y un medio; y en las curvas puedes hacer tantos puntos de anclaje como quieras en los tonos medios, además de tener el negro puro y el blanco puro.

Otra diferencia es que los niveles son muy destructivos. Si quieres comprobarlo puedes hacer una prueba muy sencilla: Abre una imagen cualquiera, pega los negros y sube los blancos, con las herramientas de visualización activadas (aquellas que te indican cuando tienes negro puro en la imagen o qué partes se queman). Dale a aceptar y ahora prueba a volver a sacar la información, es decir haz el proceso inverso, despega los negros y baja los blancos. Comprobarás que has perdido la información. Con las curvas esto no pasa.

Tal vez las curvas sean algo más “complejas” a primera vista de manejar, ya que los niveles son bastante intuitivos, pero merece la pena “perderlas el miedo” y jugar con ellas, que es como se aprende.

Cuando trabajemos con la luminosidad es vital trabajar en 16 bits, así no tenemos pérdidas de información. Cuando se hacen ajustes de luces en imágenes de 8 bits notaremos que en el histograma nos salen huecos, y en la imagen lo notaremos en que los degradados los vemos a “tirones” con rallitas, perdemos información.

Gestión de color III. Calibrado de monitor

¿Cómo calibrar un monitor?

La única forma buena y fiable para calibrar un monitor es comprando un Calibrador :D. Este aparato mide la luz que emite el monitor sin influir la luz ambiente.  No es lo mismo calibrar una pantalla de pórtatil que una pantalla externa, porque el portátil no tiene los botones de contraste, brillo y RGB que necesitamos para calibrar. Y debo diferenciar que si trabajamos con dos pantallas (la del portátil y otra externa) se pueden ajustar el diferente estilo de calibrado a cada una si lo hacemos con Mac, los PC’s no permiten ajustar dos simultáneamente con diferentes estilos.

Si queréis saber cuales son los mejores monitores os dejo una lista de marcas de mejor a peor:

. Quato: los mejores, pero extremadamente caros.

. Barco: muy parecidos a los anteriores de calidad pero con el mismo precio, caros.

. Eizo: relación calidad – precio muy buenos. Loa precios son algo más razonables.

. Neo: parecido a los anteriores pero de un poco peor calidad.

. LaGe: los de gama alta muy buenos.

. Dell: los de gama alta.

Una característica importante para decidirnos por una pantalla es que tenga los botones para poder tocar el RGB por separado cada canal, para poder hacer así el calibrado más fácil. Esto es simplemente porque las pantallas tienen unos años de vidas, los colores se van desgastando, unos antes que otros, sino están separados se degrada más y para ajustarlo ha de forzar.

Tal vez alguien esté extrañando las pantallas de Apple en esta lista. No se me han olvidado, no las puse aposta. Las pantallas son buenísimas, pero no las deja calibrar, no tiene acceso al RGB, ni al contraste… Para calibrarlas se asemejan a las pantallas de portátil. ¿Qué les costaría meter esos cuatro botoncitos en un laterla de la pantalla para así ser la pantalla perfecta?

Gestión de color II. El perfil de color

Recién salida de clase de Jorge Salgado sobre la gestión de color escribo este práctico post sobre los perfiles de color. Doy por entendido qué son los espacios de color, y sino es así consultar esta otra entrada.

Hay perfiles de entrada (cámara, monitor, escáner…) y perfiles de salida (impresión).

¿Cómo hacer un perfil de color de cámara?:

Necesitamos una carta de creación de perfiles, una carta de colores, las hay de varios tamaños y varios precios (cuantos más colores más exacto será el perfil). Se debe fotografiar esta carta, con una luz completamente homogénea y con una exposición adecuada (ni subexpuesta ni sobrexpuesta) y luego con un programa informático, el Profile Maker, por ejemplo, metemos la fotografía de la carta informándole qué tipo de carta de color hemos usado. El programa hace una comparación de los colores de la carta real y de los que nos han salido en la fotografía, de esta manera podemos ver en qué colores falla más nuestra cámara. Estos datos se guardan como perfil y luego al hacer otra fotografía le podemos aplicar este perfil y ya tenemos los colores completamente ajustados. He de remarcar que cuando hagamos la fotografía a la carta de color debemos tener en cuenta qué temperatura de color estamos usando, cual es la que hay en el ambiente, el ISO que utilizamos… en cuanto cambiemos cualquiera de estos ajustes, el perfil de antes no nos servirá. Por lo que sólo tiene sentido realizar el perfil de cámara cuando vayamos a hacer una serie en un mismo lugar y con las mismas condiciones, porque de no ser así, tendríamos que estar haciendo el perfil por cada foto. Además de que sólo tendrá sentido para determinados trabajos fotográficos que hagamos, donde el color sea muy importante y necesitemos que sea el que es.

Cierto es que los fabricantes de las cámaras facilitan ya estos perfiles por cada modelo que sacan, es tan fácil como descargarlo y luego aplicarlo a las fotografías. (Ya que ellos saben que tal modelo en los rojos tira más hacia el magenta… por ejemplo) Como es lógico no es tan exacto como haciéndolo con la carta de color, pero es mejor que nada.

Sin embargo para hacer un perfil de escáner con hacerlo una única vez sería suficiente, porque el escáner siempre utiliza la misma luz.

Los perfiles de salida, la impresión, dependen de muchas variables, del papel en el que vayamos a imprimir, de la calidad de los cartuchos de tinta… Es muy importante hacerlo ya que sino no vamos a conseguir que los colores nos salgan como son realmente en la foto. Para realizar el perfil de color para la impresora debemos imprimir una carta de color, dejamos que se seque bien la tinta (entre 15min y 20min), abrimos el programa que vayamos a utilizar para hacer el perfil (el Profile Maker por ej), le indicamos qué papel hemos utilizado y qué carta hemos impreso y con un espectrofotómetro (mide la reflexión de luz, la longitud de onda) vamos pasándolo por cada cuadrado de color de la hoja que hemos impreso. De esta manera se nos crea un perfil de color en el que se muestra la comparativa de lo real y de lo que ha impreso la impresora. Para la siguiente imagen que vayamos a imprirmir, le cargamos este perfil de color en Photoshop y así mueve las variantes de color para que la copia impresa salga bien. :D

Este es un proceso que realizan (o deberían realizar) las imprentas casi semanalmente, por lo que no deberíamos tener que interactuar en ello, pero es útil por si imprimimos en casa. Eso sí, la gracia del espectrofotómetro no es barata precisamente.

Deberíamos saber diferenciar entre asignar y convertir para no equivocarnos en el Photoshop y no fastidiarla.

Asignar: cambia la apariencia de los colores. Lo hacemos cuando la imagen no lleva un espacio de color predeterminado o también cuando cambiamos de un espacio a otro.

Convertir: no cambia los colores, sólo cambia los valores para que en la impresión haga las variaciones que tenga que hacer para dar el color correcto.

“Se asigna de entrada y se convierte de salida”.

El cuerpo, otra clase magistral de Jesús Micó

De nuevo he tenido una clase magistral con Jesús Micó. Esta vez sobre el cuerpo en la fotografía. Comenzó proyectándonos una selección de fotos que habían sido galardonadas en los años 90, y luego pidió que de uno en uno fuésemos valorando cuales eran las que más nos gustaban y las que menos. Bien. Se acaba la ronda en la que todo el mundo ha dicho lo que piensa y nos dice que a él no le gusta ninguna y que esto es exactamente lo que no debemos fotografiar nunca. Lo cual nos descoloca a todos un poco.

A partir de ahí desarrolló su personal visión del cuerpo en la fotografía, criticando cómo se ha tratado y se sigue tratando el desnudo… de una manera sexista, machista, conservadora y excluyente. Excluyente porque los modelos han de tener una serie de medidas que estén dentro del canon actual de lo bello. En esas fotos no hay mujeres gordas, feas, viejas, discapacitados y a penas hay hombres. ¿Cuándo vamos a parar de vender sexo a la sociedad? ¿Cuándo vamos a parar de transmitir con nuestras fotos que esas modelos son modelos a seguir?

Después de esta dura crítica y muy cierta a la vez… nos expone su trabajo de Natura Hominis Taxonomías. Que se trata de una serie de fotos en las que retrata a gente desnuda como si se tratase de una foto de DNI o carcelaria. Coge a gente de su alrededor, sin importarle “la belleza” del cuerpo y los retrata uno a uno componiendo así un mosaico. De esta manera trata el desnudo como algo abstracto, individual, igualitario e inclusista. Son fotos que cuando las vi por primera vez en su web no me dijieron nada, pero acompañado con esta reflexión hace que te llegue.

Al rato nos proyectó la segunda parte de su trabajo Natura Hominis Escenarios. Donde hace público lo privado. Son fotos de ámbito completamente privado, de sus padres, de sus amantes, de sus amigos… nos hace espectadores de su vida. Y con estas fotos ocurre lo mismo que con las anteriores, si las ves en su web no te llegan y las pasas rápido, pero si lees el texto que escribe para cada una de ellas y vas oyendo la música que él ha pensado para esas fotos… te atrapa.

Espero que en sus siguientes exposiciones se anime a hacer lectura de sus maravillosos textos.

Conclusión: nos invita a que nuestras fotos sean una puerta de entrada al alma del fotógrafo, un punto de partida. La fotografía debe hablar más del  fotógrafo y no tanto del objeto fotografiado.

Gestión de color I. El espacio de color

Hoy hemos tenido clase inesperadamente con Jorge Salgado. Nos va a dar unas siete clases de fotografía digital, retoque. Creo que va a ser la asignatura más larga del máster. :D

En este post no me voy a centrar tanto de hablar de Jorge Salgado sino de lo que ha explicado. Parte de la clase ha sido un recordatorio del RGB y CMYK… Pero luego ha contado cositas que me han venido muy bien. Las cuento:

Nunca me había quedado claro qué hacía cuando configuraba la cámara en SRGB o AdobeRGB. Pues bien, en esa configuración le estamos determinando con qué espacio de color va a trabajar.

El espacio de color es una zona determinada dentro de un modo de color (RGB, CMY…) donde trabaja un determinado dispositivo (cámara, ordenador…). Y el SRGB y el Adobe RGB son difirentes espacios.

El SRGB: (Standar RGB) es un limitado y pequeño espacio de color.

El AdobeRGB: tiene más espacio de colores que el anterior, pero aún así es pequeño.

Esto quiere decir que al fotografiar, nuestra cámara va a captar los colores que estén limitados dentro de un espacio previamente configurado. Si fotografiamos un verde muy clarito por ej que no esté dentro de ese espacio nos cogerá el color que más se acerque a él.

De aquí podemos deducir que es mejor trabajar con el AdobeRGB ya que tiene más colores. Esto no significa que la cámara guarde más colores, ya que eso lo delimitan los bits (1 bit= 2 niveles…………..16 bits= 65.536 niveles por canal) sino que tiene más donde elegir para dar con ellos.

Además de hacer esta configuración en la cámara debemos hacerla también con el programa con el que tratemos las imágenes, ya que si fotografiamos con un espacio de color AdobeRGB en la cámara pero al pasarlo al Photoshop lo dejamos en SRGB… estamos perdiendo calidad de color.

Igual alguno se pregunta que si el AdobeRGB es más amplio… por qué existe el SRGB, pues bien, tal y como nos ha contado Salgado, hay fotógrafos profesionales de bodas que prefieren trabajar con éste segundo ya que el primero saca las pieles un tanto saturadas y magentas, por lo que prefieren utilizar un espacio de color más limitado que no llega a esos colores. Y esto es sólo un ejemplo.

Todo esto del SRGB y el AdobeRGB es para imágenes que no son RAW.

Cuando disparamos en RAW la cámara no coge ninguna configuración que tengamos hecha de espacio de color, ni de saturación… es una imagen pura. Pues bien, cuando procesemos el RAW en el ordenador, para que no baje la calidad del color debemos poner ProPhoto como espacio predeterminado. Que es un espacio de color aún mucho más amplio que el AdobeRGB.

Si toda esta explicación de los espacios de color os queda un poco abstracta o ambigua, hay un programa que se llama Color Think donde podemos ver en una gráfica de color Lab los diferentes espacios SRGB, AdobeRGB, ProPhoto…